Pescara Jazz 2005

La voce, la ritmica, lo Swing. L’edizione 2005 del festival di Pescara sembra allineare gli ingredienti fondamentali del jazz. Tutta la musica afroamericana, di qualsiasi genere e epoca, ha mescolato tecniche e sonorità di voce e strumenti: l’ugola di Ella Fitzgerald che imita un sax o una tromba, Louis Armstrong che fraseggia in scat prolungando le idee trombettistiche, il gorgoglio delle cantanti di blues che imitano i trombettisti di Ellington, che a loro volta piegavano lo strumento alle inflessioni della voce. E poi c’è tutto l’universo dei gruppi vocali, dai quartetti come i Mills Brothers che, solo con l’ausilio di una chitarra, evocavano mondi sonori inediti, al trio vocalese di Lambert, Hendricks & Ross, le cui voci ricalcavano gli assolo strumentali, ai Double Six de Paris che arrivavano a suggerire sonorità orchestrali. Oggi diversi gruppi lavorano con grandi risultati sul solco di quella lezione, dai non più giovani Manhattan Transfer a questo formidabile gruppo svedese, i Vocation, che al sestetto di solisti aggiungono un regolare gruppo jazz in cui spicca un sassofono, in un perfetto interscambio di ruoli solistici. Forse il tratto comune a tutte le esperienze vocali citate è il virtuosismo: non si possono affrontare simili imprese con la voce se non se ne ha un controllo totale e una duttilità d’uso superiori alla norma.

Ci sono poi casi in cui le capacità tecniche trascendono i limiti consueti e la dimensione solistica diventa l’unica possibile per il pieno dispiegarsi dell’espressione. Sono casi rarissimi e memorabili: Al Jarreau è uno di questi. La sua naturalezza nell’esplorare i limiti della voce è il risultato di un duro lavoro tecnico, ma nella sua musica, che contamina con grande facilità atmosfere del jazz e del pop, tale magistero è tutto al servizio dell’architettura sonora: per questo suona naturale, senza sforzo, pur rimanendo stupefacente. E infatti il segno della grande arte non ha niente a che fare con l’esibizionismo tecnico, ma è tutto nella capacità espressiva di inventare mondi nuovi: la tecnica migliore è quella che non si vede (o che non si sente).

È questo anche il segreto di Tony Bennett, uno dei più grandi crooner. Più vicino al jazz di Frank Sinatra, con un timbro più scuro, una voce piena e increspata, con un’eleganza di fraseggio insuperabile, Bennett è il più grande interprete vivente della canzone americana, quello straordinario repertorio che potremmo definire una sorta di liederistica contemporanea. I Gershwin, Porter, Berlin, Rodgers, Arlen hanno scritto capolavori di sottigliezza che richiedono interpreti della stessa portata: Bennett, le cui performances sono da sempre memorabili, giganteggia per personalità, acume, partecipazione, humor, senso dello spettacolo. E swing. Quello swing di cui l’orchestra di Count Basie è stata per più di cinquant’anni l’epitome, l’incarnazione più formidabile: un’intera orchestra che esprime un relax psicofisico contagioso, un senso della compattezza d’insieme che eccita, induce a danzare, un benessere persino esistenziale in quel fraseggio che “appoggia” le note con una precisione e una morbidezza divenute proverbiali. Basie è scomparso da molti anni, e con lui tutta una generazione di musicisti che hanno fatto grande la sua orchestra e il jazz tutto. Ma quello stile è divenuto segno universale, assimilato dai musicisti delle generazioni successive. L’orchestra di Basie aveva i suoi segreti di laboratorio, d’accordo, ma i segreti artigianali si tramandano. Ecco allora una compagine tutta nuova che ripropone con competenza, calore, passione quel repertorio: un segno che quella lezione è ancora viva.

Nel jazz la sezione ritmica è il vero motore dello swing, che può manifestarsi attraverso soluzioni stilistiche sempre diverse. In questo senso Billy Cobham e Roy Haynes sembrano molto lontani: Cobham è il maestro del jazz-rock più potente e agile, energico e trascinante, che torna con quel marchio Spectrum che fece la sua fortuna negli anni Settanta; Haynes invece, radicato nell’hard bop degli anni Sessanta, ma già proiettato in una complessità ritmica anticipatrice di soluzioni più libere, e che oggi si associa a giovani talenti da cui trae ispirazione e a cui dona saggezza e esperienza. Batteristi diversi, certo, ma entrambi legati ad una concezione dello strumento aperta, ricca, sfrangiata, attenta al colore quanto al fraseggio: batteria come primus inter pares piuttosto che gregario. Se la batteria è il motore, il contrabbasso è il cuore pulsante dello swing. Al punto che può reggere un’intera orchestra, come quella implacabile macchina ritmica che è l’orchestra di Dave Holland, il cui contrabbasso è il perno elastico attorno a cui ruota un sistema di riffs a piramide, ritmicamente complessi, dall’impatto trascinante, da cui emergono solisti bravissimi.

Il cuore armonico del jazz è invece una trama di accordi vibranti, seducenti e appassionatamente percussivi: è il pianoforte di McCoy Tyner, che negli anni Sessanta, a fianco di John Coltrane, ha creato un suono nuovo, un universo timbrico e armonico inedito, profondo e scintillante, ritmico e risonante, che ha influenzato una generazione di pianisti e a tutt’oggi continua a riservare sorprese. Infatti Tyner sta vivendo una seconda giovinezza, un ritorno di ispirazione che lo ha riportato a quei vertici del jazz dai quali ha diffuso una musica personale e trascinante, e che ora propone con inalterata energia con un formidabile gruppo di tutte stelle. E Pescara Jazz si chiude con una fantasmagorica ricchezza di colori che si trasformano in energia ritmica.

Stefano Zenni